Venus de Milo

Laocoonte

Victoria de Samotracia

Espinario

Apoxiomenos

Danae

Hermes

Panateneas

Partenón

Discóbolo

Doríforo

Efebo de Kritios

Kuroi

Koré

La escultura griega

Características generales.

1. La escultura griega representa al hombre, y busca el ideal de hombre perfecto, proporcionalidad y armonía que vienen dadas por la unión de lo físico y lo espiritual o divino
2. Los artistas griegos proyectan la sensibilidad griega en la estatuaria, especialmente el concepto de belleza. Por tanto, en la anatomía humana buscan la armonía, la proporción y el equilibrio.
3. Los escultores griegos eran broncistas (utilizaban la técnica de la cera perdida), pero también utilizaban el mármol.
4. La escultura griega adoptó dos formas: estatuaria de bulto redondo, relieves en los triglifos, metopas y los frisos de los templos.
5. La estatuaria suele ser a la medida del hombre aunque también aparecen imágenes gigantes de los dioses dentro de los templos, estaban cubiertas de oro, marfil y piedras preciosas, se llamaban estatuas crisoelefantinas y no se conserva ninguna.
6. La escultura griega sirve de referencia para todo el arte posterior en Europa Occidental, por eso es considerada escultura clásica por excelencia.

La escultura por etapas

La cultura cicládica, 3000 a. C. Estatuillas o idolillos, representados de forma esquemática. Músicos, mujeres, etc

Creta (cultura minoica) 2000 a. C.
En Creta aparecen imágenes votivas e imágenes relacionadas con el culto a la fertilidad. Posibles diosas o sacerdotisas dedicadas al culto de la madre tierra. Con falda de volantes, corpiño y pecho desnudo. Sus ojos dan la idea de un estado de catarsis.

1. El antecedente de las esculturas griegas, son las Xoanas, o tallas de madera.
   
   Época Arcaica
   En la época arcaica (siglos VIII, VII y VI a.C), aparecen las kores y los kuros.
   
   Las kores son jóvenes, vestidas con largas túnicas, con trenzas, hay que diferenciar entre las kores áticas, vestidas sencillamente y las kores jónicas vestidas con lujo, todas ellas esbozan una leve sonrisa arcaica. Hay influencia egipcia notable: frontalidad, simetría, estatismo, decoración geométrica, no hay movimiento psíquico, cierta desproporción, sentido de bloque. Ejemplo: la dama de Auxerre.
   
   Los kuros son muchachos, atletas jóvenes, aparecen desnudos, lo cual significa que los artistas empiezan a valorar la anatomía masculina como fuente de belleza. Sin embargo, todavía no se consigue la perfección, hay frontalismo, simetría, rigidez... la anatomía es muy geométrica, muy plana. Sentido de la simetría. Se utilizaba la sonrisa arcaica o eginética.
   
   
   Época severa (finales s. VI a.C e inicios del s. V a.C)
   
   Es una fase de transición hacia el clasicismo, hay más movimiento en las imágenes, mayor idealización y se introducen materiales nuevos, el mármol para los frontones y el bronce fundido. Hay posición de movimiento, hay estudio del movimiento, se capta el momento de la acción. El mejor ejemplo es el Auriga de Delfos, hecho en bronce, transición entre la etapa arcaica y la época clásica. Si miramos la figura, de cintura para abajo es totalmente arcaica, hay frontalidad, geometría... sin embargo, la parte de arriba ya tiene otra dinámica más natural, los pliegues son más trabajados y no es una imagen cubo.
   
   Etapa clásica (s. V a. C)
   
   Los años centrales del s. V a.C en Atenas constituyen el momento de mayor esplendor en la estatuaria griega, tanto en número como en calidad de obras. Éste es el momento en que aparecen los mejores escultores, aquellos que lograron la perfección anatómica y el realismo idealizado. Es el momento en que se alcanza la plenitud en la representación del hombre: belleza física y serenidad interior (equilibrio, armonía a través del gesto). En la composición de la estatuaria desaparece la ley de la frontalidad, que es sustituida por múltiples puntos de vista. Destaca la llamada pose clásica o contraposto: apoyo del peso sobre una pierna, la otra flexionada, un brazo descansa sobre la cadera, el otro flexionado, cabeza redonda, peinado griego corto, mirada serena, ligeramente hacia abajo y hacia un lado. Es una pose relajada, tranquila, dentro de la cual todo está medido y existe un canon de proporciones. Por ejemplo: la cabeza es 1/7 del cuerpo; el rostro se divide en tres partes iguales, frente, nariz y boca; el ángulo inguinal es recto; el ombligo se considera como el centro de un círculo entre el ángulo inguinal y la caja torácica. Hay una frase que resume la estatuaria de esta época: “hombres como dioses y dioses como hombres”.
   
   Autores del siglo V a. C
   
   Mirón
   
   Su obra principal es el Discóbolo. Sólo existen copias romanas en mármol y bronce, su composición se basa en movimientos circulares, es una imagen muy dinámica que juega con la luz resbalando por el cuerpo. Esta escultura se ha definido como la captación de un instante de movimiento y tiempo, contrastando el esfuerzo físico con el equilibrio emocional del rostro.
   
   Polícleto
   
   Fue rival de Fidias. Aparte de un gran escultor fue un gran teórico, escribió un tratado llamado Canon, donde se afirma que la cabeza debe ser 1/7 del cuerpo. Fue autor de Hera de Argos, una estatua crisolefantina muy famosa. Su principal obra es el Doríforo, un joven lancero en actitud de marcha.
   
   Fidias
   
   Ateniense, vivió en Atenas casi todo el tiempo aunque tuvo que huir porque fue acusado de autorretratarse en el escudo de la diosa Atenea Parthenos. Fidias fue el principal supervisor y autor de las obras del Partenón, dirigió la decoración de este templo.
   
   A su dirección se debe el friso, las metopas y los frontones del Partenón. En el friso representó La procesión de las Panateneas, vestidas con peplo; se trata de más de 200 metros de bajorrelieve, en las figuras destaca su elegancia, la captación del movimiento, el canon proporcionado, el tratamiento equilibrado de los pliegues, el claro oscuro de los mismos y el logro excepcional de la técnica de los paños mojados.
   
   En las metopas Fidias representó las principales luchas de la mitología griega (la Gigantomaquia, la Amazonomaquia, la guerra de Troya y la Centauromaquia). En uno de los frontones representó el nacimiento de Atenea y en el otro la disputa de Atenea con Poseidón. Es autor de dos grandes estatuas criselefantinas, Atenea Parthemos y Zeus Olímpico.
   
   Gran parte de los relieves de Fidias se encuentran en el Museo Británico de Londres.
   
   Una obra interesante de Fidias, correspondiente al templo jónico de Atenea Niké, es el relieve que representa a Victoria atándose las sandalias.
   
   
   Etapa Postclásica (finales siglo V a. C y siglo IV a. C)
   
   La escultura griega sufre algunos cambios que coinciden con la decadencia de Atenas, después de padecer una peste y una derrota contra Esparta (Guerra de Peloponeso). Los principales cambios son:
   
   - Estilización del canon (imágenes mas alargadas)
   - Barroquización en las formas (exageración)
   - Se acentúa el movimiento físico y psíquico
   - Se pierde el equilibrio, la armonía y la proporción de la etapa anterior (no hay divinización del hombre)
   - Aparecen temas humanos mas vulgares (el tiempo, la mujer, la muerte y la sensualidad, que desplaza a la belleza)
   
   
   Autores de la fase postclásica
   
   Scopas
   
   Destaca su Ménade danzando, representa a una mujer que baila para Dionisos; representa un movimiento exagerado en forma de arco hacia atrás, cayendo una melena muy trabajada sobre la espalda. Scopas representa el expresionismo, la liberación de las tensiones. Es una imagen llena de sensualidad al dejar al aire parte de la espalda y del muslo, una sensualidad estudiada.
   
   Otra obra interesante es Mausolo, dios de los muertos. Aparece así el tema de la muerte, inexistente en la fase clásica.
   
   Praxíteles
   
   Sus obras más destacadas son Hermes y Dionisos niño y la Venus de Gnido. Su estatuaria se caracteriza por un contraposto exagerado, la cadera de apoyo redondeada (curva praxiteliana), mayor sentimentalismo en los gestos (pathos), mayor sensualidad (la Afrodita de Gnido saliendo del baño), la expresión de media sonrisa y la gánosis: barniz de cera sobre el mármol, que refuerza la idea de sensualidad.
   
   Lisipo
   
   Fue broncista y estuvo en la corte de Alejandro Magno. Se caracteriza por un mayor expresionismo, la pesadez de sus músculos y la introducción de un canon más estilizado (cabeza = 1/8 del cuerpo). Destaca su Apoxiomeno, atleta con “strígilis” (cepillo largo), en actitud de limpieza, mientras su cuerpo estaba cubierto de aceite y polvo (evocación sensual).
   
   
   El Helenismo (323-31 a. C)
   
   Es una larga fase final de la historia de la escultura griega, en la cual se difunde el arte helénico por el imperio de Alejandro Magno. Surgieron distintas escuelas (Ática, Egipto, Siria, Rodas…), en las que se mezclaron las influencias griegas con las autóctonas. Los rasgos generales que se aprecian son los siguientes:
   
   · mayor realismo y expresividad (pérdida del idealismo)
   · ruptura del canon
   · variación temática: nuevos temas forman parte de la escultura (lo cotidiano, lo intrascendente, la sensualidad, la artificiosidad, el movimiento exagerado, lo negativo).
   
   Obras principales del Helenismo
   
   Galo moribundo: obra del siglo III a. C, representa la derrota de los galos frente a los sirios (un soldado corneta a punto de morir). Se introducen rasgos de extranjerismo como el bigote y el collar. Destaca por su realismo expresionista: sensación de derrota y muerte.
   Venus de Milo: estatua original correspondiente al siglo II a. C, hallada en la isla de Melos en 1820. Se trata de un modelo de sensualidad, con influencia de Praxíteles y Lisipo, también de Fidias (pliegues). El contraposto es exagerado para acentuar la sensualidad. En gran parte supone una vuelta al clasicismo del siglo V a. C.
   Espinario: escultura de un niño sacando la espina de su pie. Corresponde a la escuela ática y está dotado de cierto idealismo y una gran carga de serenidad clásica.
   Victoria de Samotracia (escuela de Rodas, 190 a. C): Se caracteriza por su barroquismo y espectacularidad. Representa a Victoria alada o Niké en la proa de un barco, el viento mueve sus ropas (influencia de Fidias). Su gran tamaño contribuye a dotarla de monumentalidad.
   Laocoonte y sus hijos: obra original correspondiente datada el año 50 de nuestra era, fue hallada en 1506 (influyendo decisivamente en el Renacimiento, restaurada por Miguel Ángel y Bernini). Los autores son Agesandros, Polydoros y Athenodoros. Se encuentra hecha en un solo bloque de mármol y representa una escena narrada por Virgilio: el sacerdote Laocoonte, sacerdote troyano de Apolo, intuye la traición del caballo griego y él y sus hijos son atacados por serpientes enviadas por la diosa Atenea. Se caracteriza por el barroquismo: movimiento exagerado, expresionismo, dramatismo. Existe un contraste entre la expresión paterna de lucha y la de los hijos. La disposición de la escena es teatral. Consigue unidad gracias a la línea de la serpiente. La composición es claramente diagonal. Se trata de una composición centrípeta. El tratamiento explosivo de la anatomía contribuye a intensificar la fuerza dramática. Esta obra ha sido definida como “expresión universal del dolor”.
   · Relieves del altar de Pérgamo: barroquizantes, expresivos, con una fuerte carga dramática y dotados de un movimiento acentuado. Gigantomaquia.

Sin olvidar las Tanagras, pequeñas esculturas realizadas en barro cocido o terracota.

http://tom-historiadelarte.blogspot.com/2006/11/la-escultura-griega_07.html